Über dieses Buch

Wie lebten sie wirklich, die inzwischen so berühmten Künstlerinnen und Künstler? Desmond Morris gehörte zu ihrem Kreis und kennt ihre Vorlieben, Freundschaften und dramatischen Zerwürfnisse. Er porträtiert einsame Wölfe, rebellische Vorkämpferinnen, brillante Exzentriker. Seine zweiunddreißig Lebensbilder der Surrealisten sind selbst Geschichte.

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Desmond Morris (*1928) ist surrealistischer Künstler, Verhaltensforscher, Autor, Filmemacher und Publizist. Er hat zahlreiche Weltbestseller zum Verhalten von Mensch und Tier veröffentlicht. Sein erfolgreichstes Buch, Der nackte Affe (1967), wurde weltweit über zwölf Millionen Mal verkauft.

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Willi Winkler (*1957) ist Journalist, Übersetzer, Autor und Literaturkritiker. Er war Redakteur der Zeit, Kulturchef beim Spiegel und ist Autor zahlreicher Bücher. Er übersetzte u. a. Werke von John Updike und Julian Barnes ins Deutsche. Seine journalistische Arbeit wurde mehrfach ausgezeichnet.

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Dieses Buch gibt es in folgenden Ausgaben: Hardcover, E-Book (EPUB) – Ihre Ausgabe, E-Book (Apple-Geräte), E-Book (Kindle)

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Desmond Morris

Das Leben der Surrealisten

Aus dem Englischen von Willi Winkler

Mit zahlreichen Abbildungen

E-Book-Ausgabe

Unionsverlag

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Impressum

Die Originalausgabe erschien 2018 bei Thames & Hudson Ltd., London.

Das Kapitel über Joan Miró erschien erstmals 2011 in der Zeitschrift Tate Etc., Ausgabe 22.

Lektorat: Patricia Reimann

Originaltitel: The Lives of the Surrealistes

© by Desmond Morris, 2018

Diese Ausgabe erscheint in Vereinbarung mit Thames & Hudson Ltd., London

© by Thames & Hudson Ltd., London 2018

© by Unionsverlag, Zürich 2020

Alle Rechte vorbehalten

Umschlag: Desmond Morris

Umschlaggestaltung: Sven Schrape unter Verwendung des Originalumschlags, gestaltet von Mark Bracey

ISBN 978-3-293-31082-7

Diese E-Book-Ausgabe ist optimiert für EPUB-Lesegeräte

Produziert mit der Software transpect (le-tex, Leipzig)

Version vom 21.11.2020, 17:00h

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Inhaltsverzeichnis

Cover

Über dieses Buch

Titelseite

Impressum

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Inhaltsverzeichnis

DAS LEBEN DER SURREALISTEN

 – Vorwort

Einführung

Eileen Agar

Hans Arp

Francis Bacon

Hans Bellmer

Victor Brauner

André Breton

Alexander Calder

Leonora Carrington

Giorgio de Chirico

Salvador Dalí

Paul Delvaux

Marcel Duchamp

Max Ernst

Leonor Fini

Wilhelm Freddie

Alberto Giacometti

Arshile Gorky

Wifredo Lam

Conroy Maddox

René Magritte

André Masson

Roberto Matta

E. L. T. Mesens

Joan Miró

Henry Moore

Meret Oppenheim

Wolfgang Paalen

Roland Penrose

Pablo Picasso

Man Ray

Yves Tanguy

Dorothea Tanning

Danksagung

Bedeutende Ereignisse und Ausstellungen (1925–1968)

Weiterführende Literatur

Bildnachweis

Abbildungsverzeichnis

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Vorwort

DIESES BUCH BIETET einen individuellen Blick auf die Surrealisten und widmet sich weniger ihrem Werk als ihrem Leben. Ich habe mich auf bildende Künstler und Künstlerinnen beschränkt und zweiunddreißig ausgewählt, die für mich am interessantesten sind. Alle werden einzeln vorgestellt mit einer knappen Biografie, einer gerafften Lebensgeschichte und einer Betrachtung der Persönlichkeit.

Die surrealistische Bewegung entstand im Paris der Zwanzigerjahre des vorigen Jahrhunderts und entwickelte sich überaus lebhaft bis in die Dreißiger. Als 1939 der Zweite Weltkrieg ausbrach, wurden die surrealistischen Künstler zerstreut, und viele von ihnen landeten als Flüchtlinge in New York. Dort setzten sie ihre Arbeit fort, aber die Bewegung wiederzubeleben, als sie nach Kriegsende 1945 nach Paris zurückkehrten, erwies sich als schwierig: Als organisierte Gruppe ging es bald bergab mit ihnen. Die Mehrheit der wichtigen Künstler verließ die Stadt und arbeitete außerhalb von Paris weiter. So entstand zwar weiterhin surrealistische Kunst, doch war sie jetzt das Werk einzelner, unabhängiger Künstler.

Aus Gründen der Anschaulichkeit habe ich jeden der zweiunddreißig Surrealisten mit einem Porträtfoto und einem für sein Gesamtwerk charakteristischen Bild illustriert. Die Fotos habe ich so gewählt, dass man diese Surrealisten in der Blütezeit der Bewegung sieht, auf die bekannteren Porträts der reifen Künstler habe ich, soweit möglich, bewusst verzichtet. Auch bei der Auswahl der Bilder habe ich Wert darauf gelegt, möglichst solche zu zeigen, die noch vor dem Ende des Zweiten Weltkriegs geschaffen wurden – wiederum also Gemälde und Skulpturen, die in der Blütezeit der Bewegung entstanden.

Viele Autoren haben surrealistische Kunstwerke in zwei Hauptkategorien unterteilt, die je nachdem als figurativ und abstrakt, illusionistisch und automatistisch, als oneiristisch und »freie Form« oder als veristisch und absolut bezeichnet werden. Mir sind diese Gegensatzpaare zu ungenau. Ich halte mich deshalb an fünf Grundformen des Surrealismus:

1. PARADOXALER SURREALISMUS. Der Künstler zeigt Kompositionen, deren einzelne Bestandteile realistisch dargestellt werden, aber irrational miteinander verknüpft werden. Beispiel: René Magritte(1)

2. ATMOSPHÄRISCHER SURREALISMUS. Der Künstler zeigt eine realistische Komposition, doch mit einer so seltsamen Intensität, dass die dargestellten Szenen in einen Traum hinüberzugleiten scheinen. Beispiel: Paul Delvaux(1)

3. METAPHORISCHER SURREALISMUS. Die Bilder des Künstlers zeigen Sujets, deren Details, Formen und Farben entstellt und verdreht sind. Dargestellte Figuren sind zwar als solche noch zu erkennen, aber sie verwandeln sich. In ihrer extremsten Ausbildung werden sie auf surrealistische Hieroglyphen verkleinert. Beispiel: Joan Miró(1)

4. BIOMORPHISCHER SURREALISMUS. Der Künstler erfindet Figuren, die sich nicht mehr auf bestimmte, originale Quellen zurückführen lassen, die jedoch über eine eigene organische Authentizität verfügen. Beispiel: Yves Tanguy(1)

5. ABSTRAKTER SURREALISMUS(1). Der Künstler verwendet organische abstrakte Formen, die allerdings in der Ausgestaltung so unterschieden sind, dass sie zusammengenommen mehr als ein visuelles Muster ergeben. Beispiel: Arshile Gorky(1)

Zwei Dinge sind wichtig in Verbindung mit diesen fünf Kategorien. Zum einen bedienten sich viele Surrealisten im Laufe ihrer Schaffensjahre mehr als nur einer Methode. Max Ernst(1) war wahrscheinlich der vielseitigste; er hat irgendwann jede dieser fünf Formen angewandt, ganz anders Magritte(2), der einer einzigen Kategorie treu blieb. Zum anderen bedeutet die Tatsache, dass jemand sich einer dieser Kategorien bedient, noch keineswegs, dass dabei ein überzeugendes Kunstwerk entsteht. Viele haben sich im Surrealismus versucht und haben doch nichts Interessantes zustande gebracht. Das große Geheimnis im Surrealismus besteht natürlich wie in der gesamten Kunst in der Frage, was ein bestimmtes Werk eines bestimmten Genres über die anderen hinaushebt.

Über die Frage, wer denn ein echter Surrealist gewesen sei und wer nicht, wurde unendlich viel gestritten. Puristen werden nur die Angehörigen von André Bretons(1) innerstem Kreis gelten lassen. Andere werden erklären, dass jedes Gemälde, das irgendwie seltsam ist, als »surrealistisch« bezeichnet werden kann. Ich lehne beide Extrempositionen ab. Mein Kompromiss lässt folgende Kategorien gelten:

1. OFFIZIELLE SURREALISTISCHE KÜNSTLER

Künstler, die nicht nur ausschließlich surrealistische Kunstwerke geschaffen haben, sondern auch an den surrealistischen Gruppentreffen teilgenommen und sich den Regeln unterworfen haben, die Breton(2) in den surrealistischen Manifesten(1) niedergelegt hat. Diese Künstler verstanden sich als Teil eines Kollektivs und arbeiteten daran, subversiv das Establishment und die überkommenen bürgerlichen Wertvorstellungen zu unterminieren. Jeder von ihnen konnte darüber abstimmen, ob jemand formell in die Gruppe aufgenommen oder von ihr ausgeschlossen wurde.

2. ZEITWEILIGE SURREALISTEN

Künstler, die sich mit anderen Genres beschäftigten, aber eine surrealistische Phase hatten, nachdem sie mit Surrealisten in Kontakt kamen.

3. UNABHÄNGIGE SURREALISTEN

Künstler, die mit den Surrealisten und ihren Theorien vertraut waren, aber als Individualisten kein Interesse an irgendeiner Form von Gruppenaktivität zeigten. Sie waren deshalb keineswegs Gegner dieser Gruppe oder der offiziellen Ziele der Bewegung, aber als Einzelgänger wollten sie damit schlicht nichts zu tun haben.

4. ANTAGONISTISCHE SURREALISTEN

Künstler, die surrealistische Werke schufen, aber Breton(3) und dessen Gefolgsleute sowie das, wofür sie standen, ablehnten. So meinte einer von ihnen, dass er die Kunst der Surrealisten »glühend bewundere«, aber mit ihren Theorien nichts zu schaffen haben wolle.

5. AUSGESTOSSENE SURREALISTEN

Künstler, die aus der offiziellen Gruppe ausgeschlossen worden waren, aber weiter surrealistische Werke schufen, obwohl sie nicht mehr zu den Surrealisten gerechnet wurden.

6. AUSGESCHIEDENE SURREALISTEN(1)

Künstler, die der offiziellen Gruppe angehört hatten, sich dann aber von ihr lösten und nicht mehr mit ihr in Verbindung gebracht werden wollten.

7. ABGELEHNTE SURREALISTEN

Künstler, die sich selbst als Surrealisten verstanden und zur offiziellen Gruppe gehören wollten, allerdings keine Aufnahme fanden, weil ihre Arbeiten als untauglich galten.

8. NATÜRLICHE SURREALISTEN

Künstler, die echte surrealistische Werke schufen, aber ganz für sich allein arbeiteten und wenig oder gar nichts von der Bewegung wussten.

Auf zwei Typen von Surrealisten verzichte ich in meinem Buch. Es handelt sich um:

OFFIZIELLE SURREALISTISCHE NICHTKÜNSTLER

Also Surrealisten, die sich nicht mit darstellender Kunst beschäftigten, sondern als Theoretiker, Autoren, Dichter, Aktivisten und Organisatoren zur Bewegung gehörten. Vor allem zu Beginn spielten sie eine wichtige Rolle, da sie die Ziele und Vorhaben der Gruppe formulierten. Ihre Bedeutung verlor sich jedoch relativ rasch in der Geschichte, wohingegen die Arbeit der darstellenden Künstler immer wichtiger wurde und schließlich weltweites Interesse fand.

SURREALISTISCHE FOTOGRAFEN UND REGISSEURE

Unter diesen sind viele in ihrer Bedeutung gar nicht hoch genug zu schätzen. Leider musste ich mich aus Gründen des Umfangs dennoch entschließen, auf diese Kategorie zu verzichten.

Max Ernst(2), Plakat für die International Surrealist Exhibition(1), New Burlington Galleries, London, 1936

Surrealisten in Paris (von links nach rechts: Tristan Tzara(1), Paul Éluard(1), André Breton(4), Jean Arp(1), Salvador Dalí(1), Yves Tanguy(2), Max Ernst(3), René Crevel(1), Man Ray(1)), 1933. Foto: Anna Riwkin

Einführung

IN DER GESAMTEN GESCHICHTE gibt es keine Kunstrichtung, der zwei dermaßen unterschiedliche Künstler wie Magritte(3) und Miró(2) angehören. Das hat damit zu tun, dass der Surrealismus zunächst gar keine Kunstbewegung, sondern ein philosophisches Konzept war. Es ging um eine Lebensform – eine Rebellion gegen das Establishment, das der Welt das entsetzliche Völkerschlachten des Ersten Weltkriegs beschert hatte. Wenn die menschliche Gesellschaft auf etwas so Widerwärtiges zulaufen konnte, dann musste sie selbst widerwärtig sein. Die Dadaisten verfielen darauf, dieser Gesellschaft einfach ins Gesicht zu lachen. Ihre obszönen Spötteleien waren so unerhört, dass André Breton(5), der, in einem Pariser Straßencafé sitzend, über seine Zukunft nachdachte, auf den Gedanken kam, es brauche etwas Ernsthafteres, um die traditionelle bürgerliche Gesellschaft zu bekämpfen. Im Jahr 1924 präsentierte er seine Vorstellungen in Form eines Manifests,(2) das die neue Bewegung, die Surrealismus heißen sollte, erstmals beschrieb. Er wartete sogar mit einer Definition in lexikalischer Form(1) auf:

SURREALISMUS, Subst., m. – Reiner psychischer Automatismus, durch den man mündlich oder schriftlich oder auf jede andere Weise den wirklichen Ablauf des Denkens auszudrücken sucht. Denk-Diktat ohne jede Kontrolle durch die Vernunft, jenseits jeder ästhetischen oder ethischen Überlegung.

Sofort flammten Debatten um diese neue Philosophie auf, und Breton(6) benannte neunzehn Menschen, die durch echte surrealistische Handlungen hervorgetreten waren: Dichter, Denker, Schriftsteller und Essayisten, deren Namen heute so gut wie vergessen sind. Allenfalls Spezialisten würden mit Namen wie Boiffard, Carrive, Delteil, Noll oder Vitrac noch etwas anfangen können. Jenseits der Fachgelehrtenwelt sind ihre Schriften spurlos verschwunden. Und vermutlich wäre es auch für die Surrealisten nicht anders gekommen, wenn es nach einem von ihnen gegangen wäre. Pierre Naville(1) schrieb nämlich: »Meister, Meistergauner, schmiert eure Leinwand voll. Jeder weiß doch, dass es kein surrealistisches Gemälde gibt.« Für Naville hatten die darstellenden Künste in der surrealistischen Welt nichts verloren. Hätte sich seine Ansicht durchgesetzt, der Surrealismus wäre vielleicht ein paar Jahre als esoterische, philosophierende Literatengruppe durch Paris gegeistert und dann bald wieder verschwunden.

Zu Bretons(7) Glück hatte Naville(2) eins übersehen. Zur Dada-Bewegung(1), aus der der Surrealismus hervorgegangen war, gehörten mehrere visuell Hochbegabte wie zum Beispiel Max Ernst(4), Marcel Duchamp(1), Francis Picabia(1), Man Ray(2) und Jean Arp(2). Sie fühlten sich angezogen von der vielversprechenden neuen Bewegung des Surrealismus, und sie brachten Bildideen mit, die sich nicht ignorieren ließen. Naville flog raus, und Breton übernahm das alleinige Kommando. 1928 stellte er die Sache klar, indem er ein Buch mit dem Titel Le Surréalisme et la Peinture (Der Surrealismus und die Malerei) veröffentlichte. Die Künstler gehörten dazu.

Die Künstler verschafften Breton(8) zwei entscheidende Vorteile. Sie konnten große Ausstellungen inszenieren, die sich in große surrealistische Ereignisse verwandeln ließen, und sie waren in jeder Sprache zu verstehen. Die bildenden Künste im Surrealismus waren spektakulär und gleichzeitig international. Je mehr Zeit verging, desto mehr begann der Schwanz mit dem Hund zu wedeln. In der allgemeinen Wahrnehmung wurde aus dem Surrealismus eine ausschließlich künstlerische Bewegung, während seine literarischen Anfänge so gut wie vergessen waren. Seine größten Schausteller wurden auf der ganzen Welt berühmt.

Das erklärt auch, warum man so unterschiedliche Künstler wie Magritte(4) und Miró(3) unter der Rubrik Surrealismus zusammenfassen kann. Sie folgten, anders als die Impressionisten oder die Kubisten(1), keiner festgelegten visuellen Sprache. Vielmehr gehorchten sie der wichtigsten Regel der surrealistischen Philosophie – arbeite mit dem Unbewussten, analysiere nicht, plane nichts, lass den Verstand draußen, kümmere dich nicht um Schönheit und Ausgewogenheit. Lass deine dunkelsten, irrationalsten Gedanken aus deinem Unbewussten aufsteigen und sich auf deiner Leinwand ausbreiten. Deine Bilder malen sich von selbst, und du kannst dabei zuschauen. Schon deshalb, so der Anspruch, seien die surrealistischen Arbeiten wertvoller als die anderer überlieferter Kunstformen, wo Bilder entweder sklavisch von der äußeren Welt abgepinselt oder als logisch angeordnete, fiktionale Szenen sorgfältig hergestellt würden. Indem surrealistische Werke tiefere Bewusstseinsschichten erschlossen, konnten sie den Betrachter unmittelbar und mit einer deutlich stärkeren Stimme ansprechen, handelt es sich doch um jene tieferen Schichten, in denen wir alle die gleiche Hoffnung, die gleiche Angst, den gleichen Hass, die Liebe und die Sehnsucht spüren.

Die Künstler unterschieden sich erheblich darin, wie sie von dieser Methode Gebrauch machten, weshalb wir es auch mit weit auseinanderstrebenden visuellen Stilrichtungen zu tun haben. Magritte(5) hatte eine wilde, irrationale Idee, entschloss sich dann aber, diese Idee auf der Leinwand in einer möglichst traditionellen Form wiederzugeben. Seine Ideen waren reinster Surrealismus, doch die Technik, in der er sie sichtbar machte, war bewusst – und fast schon langweilig – konventionell. Seine Gemälde bleiben genau wegen dieses Gegensatzes zwischen dem fantasievollen Irrsinn seiner Bilder und dem geradezu biedersinnigen Farbauftrag im Gedächtnis haften. Andere Surrealisten beschränkten den Augenblick fantasievoller Irrationalität nicht wie Magritte auf die Zeit vor Beginn der Arbeit, sondern verlängerten ihn, wie Miró(4), in den eigentlichen Schaffensvorgang hinein. Die visuelle Irrationalität Magrittes lässt sich ohne Weiteres mit wenigen Worten beschreiben (ein Geschäftsmann trägt statt seines Kopfes einen grünen Apfel; eine Meerjungfrau hat den Kopf eines Fisches und die Beine einer Frau), doch ist es unmöglich, das Wesen eines Miró-Gemäldes wiederzugeben, ohne es tatsächlich vor Augen zu haben.

Auch in der Art, wie sie ihr Leben lebten, unterschieden sich die Künstler. Die einen waren in allem, was sie taten, hundertprozentige Surrealisten – in ihrem persönlichen Verhalten genauso wie in ihrer Arbeit. Andere führten ein relativ bürgerliches Leben und verwandelten sich erst vor der Staffelei und wenn sie den Pinsel in die Hand nahmen, in einen Surrealisten. Wieder andere lehnten die ganze surrealistische Philosophie ab und wollten auf keinen Fall damit in Verbindung gebracht werden, schufen aber, sobald sie zu malen anfingen, unweigerlich surrealistische Bilder.

Eine Eigentümlichkeit dieses Buches besteht darin, dass es gar nicht erst versucht, die Bilder und Skulpturen der Surrealisten zu analysieren oder im Detail zu diskutieren. Diese Aufgabe überlasse ich gern den Kritikern und Kunsthistorikern. Seit ich 1948 meine erste eigene Ausstellung mit surrealistischen Gemälden hatte, muss ich immer wieder die Frage abwehren, was meine Bilder denn zu bedeuten hätten. Ich bin mir ziemlich sicher, dass kein einziger Surrealist sich über diese Frage gefreut hat. Die einen haben grob zurückgeblafft, andere haben sich ins Schwafeln gerettet und wieder andere sind auf Antworten verfallen, von denen sie glaubten, sie würden die Frager zufriedenstellen. Dabei ist doch offensichtlich, dass ein Künstler, der Bilder malt, die er direkt aus dem Unbewussten zutage fördert, gar nicht wissen kann, was in rationaler, interpretatorischer oder analytischer Hinsicht überhaupt vor sich geht. Wenn er es doch kann, handelt es sich nicht um surrealistische Arbeiten – es ist dann Fantasiekunst, die eine exotische, aber im Vorhinein entworfene Geschichte erzählt. Oberflächlich betrachtet mögen die Arbeiten mancher Fantasiekünstler dem Werk echter Surrealisten ähneln, doch tatsächlich haben sie mit Surrealismus ungefähr so viel zu tun wie Disney mit Hieronymus Bosch(1).

Ich konzentriere mich in diesem Buch auf die Surrealisten als Menschen, als herausragende Individuen. Wie war ihre Persönlichkeit, was waren ihre Vorlieben, ihre Charakterstärken, was ihre Schwächen? Haben sie sich ins Gesellschaftsleben gestürzt oder waren sie einsam? Waren sie kühne Exzentriker oder ängstliche Eremiten? Waren sie sexuell normal oder erotisch pervers? Waren sie Autodidakten oder besaßen sie eine akademische Ausbildung?

Als André Breton(9) versuchte, seine kleine Rebellentruppe zu organisieren, stand er bald vor dem Problem, dass sie seiner Aufforderung zu gemeinsamen Aktionen nicht folgen mochten, schließlich gehören Exzentrik und ausgeprägter Individualismus zur Natur von Rebellen. Als Künstler liegt ihnen nicht daran, dass ihre Bilder denen anderer Gruppenmitglieder gleichen, schließlich wollen sie nicht als Nachahmer gelten. Eine unlösbare Aufgabe für den armen Breton, und es ist kein Wunder, dass ihn die meisten bedeutenden surrealistischen Künstler ablehnten – und ihrerseits von ihm ausgeschlossen wurden. Einige haben sich deshalb darauf verständigt, dass Breton ein dümmlicher Westentaschendiktator war, der einen Haufen Sonderlinge zu kontrollieren versuchte. Doch das hieße seine Bedeutung massiv zu unterschätzen: Breton war die treibende Kraft der Bewegung und unverzichtbar für ihre Gestalt und ihr Bild in der Geschichte.

In gewisser Weise ist der Surrealismus gescheitert. Er hat die Welt nicht verändert. Andererseits hatte er Erfolg weit über die höchstgespannten Erwartungen hinaus: Seine Arbeiten können von Millionen auf der ganzen Welt gesehen werden. Neben jenen, die die Werke erklärt und analysiert haben wollen, gibt es die viel größere Zahl derer, die einfach davorstehen und bereit sind, die Bilder direkt vom Unbewussten der Künstler in ihr eigenes Bewusstsein eindringen und wirken zu lassen. Indem sie diesen intuitiven, diesen instinktiven Vorgang zulassen, erweisen die Betrachter den Werken und den Überzeugungen, die ihnen zugrunde liegen, ihre Reverenz.

Einer der frühen Surrealisten, der spanische Regisseur Luis Buñuel(1), drückte es in seinen Memoiren, wo er über seine Zeit bei den Pariser Surrealisten schreibt, ungemein treffend aus: »Aber was waren wir schon! Eine kleine Gruppe ungebärdiger Intellektueller, die in einem Café palaverte und eine Zeitschrift herausgab. Eine Handvoll Idealisten, die sich schnell uneins war, wenn es darum ging, direkt in Aktion zu treten und auch Gewalt anzuwenden. Und doch haben meine drei Jahre in den begeisterten und bestimmt auch chaotischen Rängen der Bewegung mein Leben verändert.« Bei jedem, der je mit dieser Bewegung in Berührung gekommen ist, hat sie, ganz gleich, wie lang oder kurz dieser Kontakt war, ihre Spuren hinterlassen. Das gilt natürlich auch für mich, obwohl ich in den Vierzigerjahren nur mehr das Schwanzende zu fassen bekam. Trotz all der wichtigtuerischen Regeln und Vorschriften, die so extrem waren, dass sich nicht einmal diejenigen, die sie formuliert hatten, daran halten konnten, hatte die surrealistische Philosophie bei allen von uns, die in ihren Bann geraten waren, dauerhaft eine enorme Wirkung. Geblieben ist mir vor allem der freie Zugang zu den Tiefen des menschlichen Wesens, der uns wichtig war und den wir ersehnten, dieser Ruf nach dem Nicht-Rationalen, nach dem Dunklen, nach den Impulsen, die aus den Tiefen unseres Ichs kommen.«

Titelseite der ersten Nummer von La Révolution Surréaliste(1) (Die surrealistische Revolution), 1. Dezember 1924, mit drei Fotografien von Man Ray(3)

Titelseite der vierten Ausgabe des International Surrealist Bulletin(1), September 1936. Es zeigt das Surrealist Phantom (Das surrealistische Phantom), Sheila(1) Legge bei ihrer Performance auf dem Trafalgar Square in London

Titelblatt von A Dozen Surrealist Postcards (Ein Dutzend surrealistischer Postkarten), 1940

Werbeplakat für die Ausstellung von Joan Miró(5), Desmond Morris(1) und Cyril Hamersma(1) in der Galerie von E. L. T. Mesens(1) in London, Februar 1950

Max Ernst(5), Au Rendez-vous des Amis(1) (Das Rendezvous der Freunde), 1922–1923

Eileen Agar(1)

Engländerin • schloss sich 1933 der surrealistischen Gruppe an

Geboren: 1. Dezember 1899 in Buenos Aires als Eileen Forrester Agar

Eltern: Vater schottischer Geschäftsmann (Windmühlen); Mutter amerikanisch-englischer Herkunft

Orte: Buenos Aires 1899; London 1911; Paris 1927; London 1930

Liebesbeziehungen: verheiratet mit dem Kommilitonen ROBIN BARTLETT(1) 1925–1929 • der ungarische Schriftsteller JOSEPH BARD(1) 1926 • PAUL NASH(1) 1935–1944 • PAUL ÉLUARD(2) 1937 • Ehe mit JOSEPH BARD 1940–1975

Gestorben: 17. November 1991 in London

Eileen Agar im Hotel Vaste Horizon in Mougins, September 1937. Fotograf unbekannt

Eileen Agar, The Reaper (Der Schnitter)(1), 1938. Gouache und Blatt auf Papier

ICH LERNTE EILEEN AGAR erst kennen, als sie bereits neunzig Jahre alt war. Und noch immer besaß sie Schönheit und Charme, womit sie in ihren jungen Jahren die Surrealisten verzaubert haben muss. Sie war schlank geblieben, saß kerzengerade da und lächelte spitzbübisch. Eine Aura fantasievoller Verspieltheit umgab sie, wie sie in so hohem Alter kaum mehr anzutreffen ist. Vermutlich hätte sie das mit der Tatsache begründet, dass sie nie Kinder bekommen hatte und auch nie welche wollte. Als Teenager hatte sie gelesen, dass mit einer Bevölkerungsexplosion zu rechnen sei, und sie erinnerte sich an das Gefühl ungeheurer Erleichterung, weil sie eine Rechtfertigung für ihr fehlendes Fortpflanzungsbedürfnis gefunden hatte.

Obwohl erotische Motive in ihren Gemälden keine besondere Rolle spielen, scheint sie im wirklichen Leben sexuell weit abenteuerlustiger als die meisten Frauen ihrer Generation gewesen zu sein. Ihr Mann behauptete, dass sie immer »darauf aus war, etwas genau so zu machen, wie es nicht ging, zum Beispiel Sex im Stehen in einer Hängematte«. Offenbar fand sie auch nichts dabei, drei Liebhaber gleichzeitig zu haben. Sie war eine Hedonistin, auf eine fröhlich kindliche Art. Vergnügt erzählte sie, dass sie in Picassos(1) Bett geschlafen habe, aber ohne ihn – präsentierte also eine verruchte Vorstellung, nur um sie gleich wieder zu zerstören. Verruchte Unschuld ist ein Widerspruch in sich, und doch passt er zu Agars anziehender Persönlichkeit ebenso wie zu ihrer Arbeit als Künstlerin.

Sie wurde in Argentinien geboren, wo ihr aus Schottland stammender Vater Windmühlen an die Einheimischen verkaufte; die Mutter war amerikanisch-englischer Herkunft. Die Familie war wohlhabend und gesellig, was heißt, dass die Kinder ihre Eltern nur ein Mal am Tag kurz sahen, nämlich zum Gute-Nacht-Sagen. Die übrige Zeit hatten sie mit ergebenen Bediensteten zu verbringen. Als Eileen neun Jahre alt war, beschlossen ihre Eltern, eine neunmonatige Weltreise zu unternehmen, die Kinder ließen sie zu Hause. Sie gab zu, dass sie jähzornig war und gern gegen Vorschriften verstieß. Einmal wurde sie deshalb von ihrer Mutter mit einer Haarbürste geschlagen – eine Strafe, die sie noch immer zornig machte und an die sie sich noch nach achtzig Jahren lebhaft erinnerte. So wuchs eine junge Rebellin heran. Am glücklichsten war sie, wenn sie im Freien spielen durfte. Dabei nahm sie die Farben und Formen der argentinischen Landschaft in sich auf. Noch als alte Dame konnte sie vor ihrem inneren Auge Einzelheiten wie die glitzernden Zügel der schwarzen Pferde heraufbeschwören, die ihre grüne Kutsche zogen.

[Ende der Leseprobe]

Abbildungsverzeichnis

Max Ernst, Plakat für die International Surrealist Exhibition, New Burlington Galleries, London, 1936

Surrealisten in Paris (von links nach rechts: Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton, Jean Arp, Salvador Dalí, Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel, Man Ray), 1933. Foto: Anna Riwkin

Titelseite der ersten Nummer von La Révolution Surréaliste (Die surrealistische Revolution), 1. Dezember 1924, mit drei Fotografien von Man Ray

Titelseite der vierten Ausgabe des International Surrealist Bulletin, September 1936. Es zeigt das Surrealist Phantom (Das surrealistische Phantom), Sheila Legge bei ihrer Performance auf dem Trafalgar Square in London

Titelblatt von A Dozen Surrealist Postcards (Ein Dutzend surrealistischer Postkarten), 1940

Werbeplakat für die Ausstellung von Joan Miró, Desmond Morris und Cyril Hamersma in der Galerie von E. L. T. Mesens in London, Februar 1950

Max Ernst, Au Rendez-vous des Amis (Das Rendezvous der Freunde), 1922–1923

Eileen Agar im Hotel Vaste Horizon in Mougins, September 1937. Fotograf unbekannt

Eileen Agar, The Reaper (Der Schnitter), 1938. Gouache und Blatt auf Papier

Hans Arp in der Aubette (Gebäudekomplex, für dessen Ausgestaltung er, zusammen mit anderen Künstlern, verantwortlich war), Straßburg, 1926

Hans Arp, Torse, Nombril, Moustache-Fleur (Torso, Nabel, Schnurrbartblume), 1930. Öl auf Holzrelief

Francis Bacon, 1952. Foto: Henri Cartier-Bresson

Francis Bacon, Figure Study II (Studie für eine Figur II), 1945–1946

Hans Bellmer, Ohne Titel (Selbstporträt mit Puppe), 1934

Hans Bellmer, La Toupie (Der Kreisel), 1937

Victor Brauner, ein Vogelskelett haltend, circa 1950. Fotograf unbekannt

Victor Brauner, Conspiration (Verschwörung), 1934

André Breton, 1930. Foto: Man Ray

André Breton, Poème-Objet (Gedicht-Objekt), 1941. Öllampe, gerahmtes Foto, Kinderboxhandschuhe und Papier auf Zeichenbrett

Alexander Calder mit einer seiner Drahtskulpturen in der Galerie Nierendorf in Berlin. Datum und Fotograf unbekannt

Alexander Calder, White Panel (Weißes Brett), 1936. Sperrholz, Blech, Schlauch, Draht, Schnur und Farbe

Leonora Carrington in ihrer Wohnung in Greenwich Village/New York, 1942; Foto: Hermann Landshoff

Leonora Carrington, Self-Portrait: Inn of the Dawn Horse (Selbstporträt: Die Herberge des Dämmerungspferdes), 1937/38

Giorgio de Chirico, 1936. Foto: Carl Van Vechten

Giorgio de Chirico, Due Maschere (Zwei Masken), 1916

Salvador Dalí, 1936. Foto: Carl Van Vechten

Salvador Dalí, L’Enigma del Desiderio – Mi Madre, mi Madre, mi Madre (Das Rätsel der Begierde oder Meine Mutter, meine Mutter, meine Mutter), 1929

Paul Delvaux mit seinem Gemälde La Ville Rouge (Die rote Stadt), Brüssel, 1944. Foto: Lee Miller

Paul Delvaux, L’Appel de la Nuit (Der Ruf der Nacht), 1938

Marcel Duchamp im Pelzmantel, New York, 1927. Fotograf unbekannt

Marcel Duchamp, Mariée (Braut), 1912

Max Ernst in Arizona, 1947. Foto: Henri Cartier-Bresson

Max Ernst, Die Einkleidung der Braut, 1940

Leonor Fini, 1936. Foto: Dora Maar

Leonor Fini, Le Bout du Monde (Das Ende der Welt), 1949

Wilhelm Freddie, Januar 1935. Fotograf unbekannt

Wilhelm Freddie, Mine to søstre (Meine zwei Schwestern), 1938

Alberto Giacometti in seinem Pariser Atelier, 1945/1946. Foto: Henri Cartier-Bresson

Alberto Giacometti, Frau mit durchschnittener Kehle, 1932. Bronze

Arshile Gorky, 1940. Foto: Gjon Mili

Arshile Gorky, Garden in Sochi (Garten in Sotschi), 1941

Wifredo Lam vor seiner Staffelei, 1946. Foto: Gjon Mili

Wifredo Lam, Ta Propre Vie (Dein eigenes Leben), 1942

Conroy Maddox, Dreißigerjahre. Fotograf unbekannt

Conroy Maddox, The Poltergeist (Der Poltergeist), 1941

René Magritte, ca. 1924 oder 1925. Fotograf unbekannt

René Magritte, Les Amants (Die Liebenden), 1928

André Masson im Fenster seines Ateliers in Le Tholonet bei Aix-en-Provence, 1947. Foto: Denise Bellon

André Masson, Le Labyrinthe (Das Labyrinth), 1938

Roberto Matta in seinem Atelier, 1959. Foto: Sergio Larraín

Roberto Matta, La Femme Affamée (Die hungrige Frau), 1945

E. L. T. Mesens, ca. 1958. Foto: Ida Kar

E. L. T. Mesens, Alphabet Sourd (Encore) et (Toujours) Aveugle (Alphabet taub [immer noch] und [immer] blind), 1957. Collage einer Gouache auf ausgeschnittenem, aufgeklebtem, gewellten Folienpapier, auf Karton aufgebracht

Joan Miró mit einem Nashornvogel im Londoner Zoo, 1964. Foto: Lee Miller

Joan Miró, Femmes et Oiseau Dans la Nuit (Frauen und Vogel in der Nacht), 1944. Gouache auf Leinwand

Henry Moore, wahrscheinlich Dreißigerjahre. Fotograf unbekannt

Henry Moore, Four-Piece Composition: Reclining Figure (Vierteilige Komposition: Liegende Figur), 1934. Cumberland-Alabaster

Meret Oppenheim in Basel, Herbst 1943. Fotograf unbekannt

Meret Oppenheim, Steinfrau, 1938

Wolfgang Paalen im Studio Daguerre in Paris, 1933. Fotograf unbekannt

Wolfgang Paalen, Pays Inderdit (Verbotenes Land), 1936–1937

Roland Penrose, 1935. Foto: Rogi André (Rozsa Klein)

Roland Penrose, Conversation Between Rock and Flower (Gespräch zwischen Fels und Blume), 1928

Pablo Picasso in seinem Atelier, Mai 1944. Foto: Herbert List

Pablo Picasso, Femme Lançant une Pierre (Frau, einen Stein werfend), 1931

Man Ray, Paris, 1931. Foto: Lee Miller

Man Ray, Le Beau Temps (Schönes Wetter), 1939

Yves Tanguy, 1936. Foto: Man Ray

Yves Tanguy, Le Soleil dans son Écrin (Die Sonne in ihrem Schmuckkästchen), 1937

Dorothea Tanning mit Self-Portrait (Maternité) (Selbstporträt [Mutterschaft]), Sedona, Arizona, 1946. Foto: Lee Miller

Dorothea Tanning, Birthday (Geburtstag), 1942

Desmond Morris in seinem Atelier, 1948. Fotograf unbekannt

Mehr über dieses Buch

Der Surrealismus begann als gemeinsame Rebellion gegen all jene Mächte, die die Welt in den Krieg geführt hatten. Ein Aufstand auch gegen verlogene Religion, Demagogie, Prüderie und usurpierte Autoritäten.

Wie lebten sie wirklich, diese inzwischen so berühmten Künstlerinnen und Künstler? Desmond Morris, selbst surrealistischer Künstler, kann davon berichten wie kein Zweiter. Er gehörte zu ihrem Kreis und kannte sie alle. Ihre Vorlieben und Macken. Ihre Arbeitsweisen und ihre Geheimnisse. Ihre Freundschaften, Feindschaften, Liebschaften, Frivolitäten und dramatischen Zerwürfnisse. Er porträtiert einsame Wölfe, rebellische Vorkämpferinnen, brillante Exzentriker.

Geistreich und unterhaltsam erzählt Desmond Morris von den wirklichen Menschen, die Kunstgeschichte schrieben. Seine zweiunddreißig Lebensbilder der Surrealisten sind selbst Geschichte.

»Dieses Buch ist ein Husarenstück. Tatsächlich gelingt es seinem Autor, mit seinen boulevardartigen und höchst witzig formulierten Einzelporträts die gesamte Bewegung in den Blick zu bekommen. So unterhaltsam und zugleich so informativ hat noch keiner über die Surrealisten geschrieben!«

Eva Hepper, Deutschlandfunk Kultur, Köln

»Desmond Morris hat ein sehr heiteres, mitunter freches, nie langweiliges und dennoch äußerst informatives Buch über eine Kunstrichtung und ihre Protagonisten geschrieben, die wir für abgenagt und ausgelutscht gehalten haben. Das ist große Kunst!«

Ö1, Wien

»Morris ist Verhaltensforscher und Künstler: Sein Blick auf die Surrealisten ist einerseits distanziert, dann wieder sehr intim. Und so ist sein Buch eine gelungene Kombination aus kühler Faktenanalyse, Insiderwissen und schönstem britischen Humor geworden.«

Julie Metzdorf, BR 5 Kultur

»Das Buch bezieht seinen Reiz nicht nur aus der Tatsache, dass es von einem Zeitgenossen geschrieben wurde, der selbst surrealistischer Künstler ist. Wenn so jemand zurückblickt, entstehen interessante Porträts, gespickt mit Insiderwissen und persönlichen Wertungen. Spannend zu lesen, eine kurzweilige Lektüre.«

Bettina Scheurer, Ekz Bibliotheksservice, Reutlingen

»Desmond Morris gibt dem Lebensgefühl der Surrealisten wunderbar gelungen Ausdruck. Ein Juwel von einem Buch!«

Hans Durrer, Bücher & Bilder, Sargans

»Das Leben der Surrealisten ist, in bester Vasarischer Manier, scharfzüngig, pikant und höchst unterhaltsam. Was waren sie doch ein launischer, anstrengender Haufen, diese Surrealisten. Und Desmond Morris tischt ordentlich auf: witzig, geistreich und mit surrealistischem Schwung.«

Laura Freeman, Literary Review

»Desmond Morris kannte viele der Surrealisten persönlich und enthüllt mit entwaffnender Kenntnis ihre Arbeitsweisen (Alberto Giacometti arbeitete immer nachts und ging erst um sieben Uhr morgens ins Bett), ihre Eigenarten (Leonor Fini studierte stundenlang Leichen) und ihre sexuellen Eroberungen (jeder Eintrag beginnt mit einer Liste der Liebhaber). Ein unkonventioneller Tribut an den Surrealismus und sein schillerndes Personal, witzig, frech und ergreifend, eine wahre Freude.«

Publishers Weekly

»Wie ein Giorgio Vasari unserer Tage ermöglicht uns Desmond Morris einen intimen und einzigartigen Einblick in das, was die Surrealisten an- und umtrieb. Eine sehr persönliche Sicht auf Morris’ Zeitgenossen und ein perfekter Einstieg in diese rebellische Kunstbewegung.«

Kirkus Reviews

»Morris konzentriert sich auf die mannigfaltigen Eigenarten seiner Protagonisten, ihr überbordendes Privatleben, ihre zahllosen Verstrickungen und Techtelmechtel, ohne sie dabei je zu verurteilen. Er erzählt von alles verschlingender Kreativität und Dummheiten monumentalen Ausmaßes. Einfach göttlich.«

The Financial Times

»Das hier sind keine trockenen Wikipedia-Einträge, das sind provokante biografische Essays, die dem täglichen Leben der Surrealisten nachspüren, ihren Verschrobenheiten, ihren sexuellen Vorlieben. Verhaltensforscher, der er ist, studiert Morris seine Objekte wie eine exotische Spezies, die sie auch tatsächlich waren. Nach der Lektüre bleibt man erschöpft, außer sich und bezaubert zurück.«

Amy Henderson, Washington Examiner

Zur Webseite mit allen Informationen zu diesem Buch.

Über Desmond Morris

Desmond Morris (*1928) ist surrealistischer Künstler, Verhaltensforscher, Autor, Filmemacher und Publizist. Zum ersten Mal ausgestellt wurden seine Werke 1948, zwei Jahre später stellte er in London gemeinsam mit Joan Miró aus. Er ist zudem einer der bekanntesten Zoologen Englands und hat zahlreiche Weltbestseller zum Verhalten von Mensch und Tier veröffentlicht. Sein erfolgreichstes Buch, Der nackte Affe (1967), wurde weltweit über zwölf Millionen Mal verkauft.

»Morris’ Blick für Feinheiten ist ein wahres Vergnügen. Er schreibt sehr zugänglich, mit trockenem Humor und voller Zuneigung.«

The Times

Mehr zu Desmond Morris auf der Webseite des Unionsverlags.

Über Willi Winkler

Willi Winkler, geboren 1957, ist Journalist, Übersetzer, Autor und Literaturkritiker. Er war Redakteur der Zeit, Kulturchef beim Spiegel und schreibt für die Süddeutsche Zeitung. Er ist Autor zahlreicher Bücher und übersetzte u. a. Werke von John Updike, Julian Barnes, Anthony Burgess und Saul Bellow ins Deutsche. Für seine Arbeit wurde er mit dem Ben-Witter-Preis, dem Otto-Brenner-Preis für kritischen Journalismus und dem Michael-Althen-Preis ausgezeichnet.

Mehr zu Willi Winkler auf der Webseite des Unionsverlags.

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